🇬🇧 Read in English

Aude Franjou in 2021

Sculptures non conventionnelles allant de formes monumentales à des miniatures sinueuses où rien n’est laissé au hasard, les œuvres d’Aude Franjou, artiste des fibres et sculpteur née en 1975, formée à l’Ecole Supérieur d’Arts Appliqués Duperré, Paris, s’inspirent de l’architecture botanique, de la tactilité rugueuse des écorces d’arbres, des ramifications des coraux.

Ces œuvres émergent du geste physique, répété, systématique, d’une technique affinée au fil du temps qui incorpore des matériaux ruraux comme le lin et le chanvre bruts, des fibres qu’Aude Franjou piège habilement avec des fils de lin dans des nuances de rouge, jaune, bleu et blanc.

La lecture de ces œuvres vibrantes et intenses dévoile les passions et les nuances complexes des sentiments de l’artiste, qui nous invite, à travers les formes, les couleurs et les espaces, à entrer en résonance avec l’essence d’un univers créatif évocateur et inédit.

Après avoir obtenu un diplôme en histoire de l'art, vous avez complété votre formation à L'École Duperré en vous spécialisant dans l'art textile et la tapisserie. Quels aspects, techniques ou caractéristiques du tissage sont présents dans votre travail aujourd'hui ? Comment et pourquoi en êtes-vous venue à développer votre technique sculpturale personnelle hors du métier à tisser ?

L’usage du fil est la continuité entre ma formation et mon travail actuel.
Je travaille mes pièces avec une technique appelée l’enrobage. C’est une technique qui consiste à entourer une matière brute par un matériau plus affiné, plus noble. On en retrouve l’utilisation dans la corderie, dans le textile…
Pour ma part en sortant de l’école j’avais dans l’idée de travailler sur les écorces des arbres. J’ai fait une série de photos en macro, puis un carton et pour finir une tapisserie… autant dire que je perdais toutes les veines et tous les creux en un mot les reliefs des écorces même si je travaillais la couleur.
Je me suis alors tournée vers des tapisseries monochromes et j’ai commencé à travailler en volume au moyen de la technique de nœud et d’excroissance, techniques que l’on retrouve dans le travail Magdalena Abakanowicz.
Ensuite j’ai décidé de travailler avec des matériaux végétaux, naturellement le lin s’est imposé.
Pour ce qui est de la technique j’ai laissé le tissage du cadre de tapisserie, et j’ai posé mes fils au sol. Avec la tension de l’enrobage les volutes de matières sont apparues, les volumes que je cherchais étaient là. Au début, il s’agissait de toutes petites pièces, faites au fil. J’ai gagné en confiance avec le temps, et j’ai pu passer à une autre échelle.

Quelle est votre source d’inspiration ?

Je suis très inspirée par la nature qui m’entoure, les racines, les lianes, mais aussi le squelette humain, les coraux, les algues, les arbres. Je me suis demandée récemment ce qui me manquerait le plus si je devais déménager, la réponse s’est imposée : la forêt car j’habite au cœur d’un massif forestier, riche en essences, en odeurs, en paysages qui m’inspirent. De la taïga avec ses bouleaux, aux pins maritimes et les allées de sables blancs, aux chênes séculaires en passant par le chaos des rochers et leurs formes incroyables travaillées par l’érosion. Et puis l’océan toujours en mouvement et si souvent retrouvé me régénère aussi.
Le point commun entre toutes ces choses, c’est la manière dont la nature, dans son évolution prend et grandit, nous surprend par son harmonie, son esthétisme. La nature m’émerveille et m’interroge car il n’y a pas au naturel de fausse note ou si peu. Le monde dans lequel nous vivons devrait questionner chacun d’entre nous, que faisons nous et comment traitons nous ce monde vivant qui nous entoure ?

Vous utilisez une gamme réduite de matériaux pour créer vos sculptures, exclusivement de la ficelle de lin et de la filasse de chanvre. Quelles sont les qualités techniques mais surtout sensorielles et expressives que vous leur trouvez et qui vous ont amené à les adopter comme matériaux de prédilection pour votre travail ?

Aujourd’hui mon choix se porte sur le lin. J’ai choisi le lin comme support de mon travail. Est-ce une réminiscence d’images de l’enfance ? j’habitais à la campagne au printemps les champs de lin se couvraient de milliers de fleurs bleues, blanches, roses c’était magnifique. Et puis il y avait le bord de l’océan, les cordes des bateaux dans le port de la Cotinière, vivantes, mouvantes, sages ou menaçantes, prenez vous les pieds dans un paisible rouleau de corde, votre cheville cèdera mais pas la corde ! quelle robustesse. C’est émouvant l’usure d’une corde tant de fois saisie par des mains d’hommes…ou de femmes. J’utilise la filasse de lin comme “âme” de mes sculptures et la ficelle plus ou moins fine pour le travail d’enrobage. Je crée la forme en même temps que je la sculpte, je vis l’instant avec elle, mes émotions, mes réflexions traversent mon travail.
Le lin est une matière plus complexe qu’il n’y paraît. Imaginez la tige légère qui se courbe sous le vent et qui transformée devient d’une robustesse sans égale. La fibre de lin est incroyablement vivante, elle évolue selon les conditions climatiques. Au très fortes chaleurs la matière s’assouplit, devient presque tendre, tandis que l’humidité, le froid la rendent raide, rêche et dure au point de m’abîmer les mains ! Il faut alors dompter cette matière qui se rebelle et ne se laisse pas faire, rien d’inerte dans le lin.

Bien souvent, vos sculptures quittent les espaces de la galerie d'art pour s'insérer et s'intégrer dans l'espace macroscopique de la nature. Cette caractéristique de votre travail a-t-elle des points de contact, en termes conceptuels, avec le Land Art ? Vos œuvres ont-elles pour origine et sont-elles conçues pour faire partie intégrante du paysage naturel ?

Il est vrai que j’ai exposé un temps en milieu naturel . Mais plus que la nature au sens général du terme, c’était la symbiose de mon travail avec les arbres qui m’intéressait. De ce fait je ne pense pas m’être inscrite dans le mouvement du land art qui fait valoir un certain côté “éphémère”, mais le concept est intéressant et généreux. Donner à voir au plus grand nombre, magnifier la nature c’est presque une forme de spiritualité.
Depuis plusieurs années, mon travail se nourrit de la nature mais l ‘immense majorité du temps je travaille en atelier. Mes pièces sont conçues comme des morceaux de quelque chose en devenir, non pas comme un patron de couture déjà figé, mais une construction qui progresse au fil du temps. J’y passe beaucoup, beaucoup de temps. Chaque morceau vient se combiner avec le précédent, composant comme un kaléidoscope. Je compte beaucoup sur mes mains et mon imaginaire qui font du sur mesure !

Comment vos œuvres ont-elles évolué entre vos premiers travaux et vos travaux récents ? Y a-t-il un projet qui vous tient à cœur mais que vous n'avez pas encore pu réaliser ?

Après une période de sculptures assez monumentales, mes pièces avec le temps sont devenues de plus en plus intimes. Sans renier les travaux de mes débuts, je travaille aujourd’hui à une autre échelle. C’est une évolution qui m’apporte beaucoup comme un recentrage en profondeur. je ne me fixe qu’une contrainte: conserver la technique que j’ai mise au point! Comme la vie, les formes évoluent. La maturité, les expériences, l’environnement, la vie intérieure impactent mes recherches.
Après avoir travaillé des pièces très denses, très fermées,et très colorées, je travaille en ce moment des pièces tout en légèreté et en transparence, tout en blancheur. Je m’inspire des formes incroyables des coraux.
Je prépare une installation autour de ces pieces blanches, blanc qui evoquent la mort du corail. Il s’agira d’une installation pointant le réchauffement climatique. Sous les yeux des visiteurs des coraux reprendront vie le temps d’un passage lumineux.Pendant quelques minutes la lumière rendra des couleurs aux squelettes de ces animaux marins qui meurent sous nos yeux.

Rouge. Pouvez-vous nous parler de cette série d'œuvres ? Quelle en était l'idée et comment l'avez-vous développée ? Qu'est-ce qui vous guide dans le choix de la couleur de vos sculptures ?

Le rouge a été pour moi une période. J’ai décliné à l’envie ses différentes tonalités. En occident le rouge est associé à l’énergie, à l’action, à la passion. Pour certains c’est aussi la violence, le sang, la mort. J’ai souvent eu des réflexions sur cette piste. J’étais alors heurtée par les mots parfois très blessants qui accompagnaient une installation “c’est sorti d’un film gore des années 80”. Et puis je suis partie en Corée en 2013, mais loin de dégoûter cette fois ci le rouge comme souvent en Asie était associé à la fortune, la joie, la prospérité, à une longue vie, c’est une couleur qui symbolise la filiation, l’arbre généalogique. Il en sortait quelque chose de très positif. Le rouge était mis en avant, loin de rebuter il était fêté ! Le monde est vaste!
Lorsque je choisis une couleur je vais d’abord l’explorer : sa symbolique, sa force évocatrice, sa résistance à la lumière, sa profondeur, ses nuances existent elles au naturel, ses pigments.
C’est une des raisons pour laquelle je me suis longtemps intéressée aux pigments naturels, notamment le pastel. Cette plante utilisée depuis la nuit des temps est peut être le pigment le plus ancien ayant servi à teindre les tissus avant d’être détrônée par l’indigotier et aujourd’hui par les colorants de synthèse. Mais je n’ai pas travaillé que le rouge ! le noir, le bleu, le vert, le jaune, le blanc etc. La couleur est en lien direct avec la forme que je crée et le travail de mes mains. Ici je veux mettre un nœud en valeur, ailleurs ce sera plutôt un creux. La nuance de la couleur va renforcer les pleins et les déliés comme dans une écriture. En fait, je n’utilise pas qu’une seule tonalité, mais des dizaines de nuances même quand les pièces ont l’air monochrome.

Très récemment s’est tenue l'exposition en duo "Fils Sculptés" Aude Franjou / Indra Milo. Tout en respectant les lignes de recherche personnelles, y a-t-il une vision, une suggestion ou une approche commune qui relie vos œuvres et celles d'Indra Milo ? Comment est née l'idée de cette exposition ?

Cette exposition est née d’un ami argentin qui fait vivre son atelier autour de la musique, du spectacle vivant. C’est un lieu ouvert qui explore toute forme d’expression artistique. Exposer mon travail était son coup de cœur. Il m’a rapidement présenté Indra qui est sculpteuse sur bois. Elle mêle le fil à ces bois, c’est là que nous avons pu tisser des liens entre nos deux médias.

Des projets futurs ?

Y a-t-il un projet que vous souhaitez me proposer ?

■ Maria Rosaria Roseo, Rédactrice en chef, ARTEMORBIDA Textile Art Magasine

Consulter sur le site d'ARTEMORBIDA

Aude Franjou in 2021

Non-conventional sculptures ranging from monumental forms to sinuous miniatures in which nothing is left up to chance, the works of Aude Franjou, a fibre artist and sculptor born in 1975, trained at the Ecole Supérieur d’Arts Appliqués Duperré, Paris, are inspired by botanical architecture, the tree barks rough tactility, and the ramifications of corals.

These works emerge from the physical, repeated, systematic gesture, from a technique honed over time that incorporates rural materials such as raw hemp, fibres that Franjou skilfully traps with linen yarns in shades of red, yellow, blue and white.

The reading of these vibrant and intense works unveils the passions and complex nuances of the artist’s feelings, who invites us, through shapes, colours and spaces, to resonate with the essence of an evocative and unprecedented creative universe.

After graduating in Art History, you completed your training at L'École Duperré specialising in textile art and tapestry. What aspects, techniques or characteristics of weaving are present in your work today? How and why did you come to develop your personal sculptural technique off the loom?

The use of string is the continuity between my training and my current work.

I make my sculptures using a technique called wrapping. This technique consists in wrapping a raw, coarse material with a more refined, more noble material. It is used in rope-making, in textiles…

When I left school, I had the idea of working on tree barks. I made a series of macro photos, then a cartoon [preparatory drawing used as template in tapestry] and finally created a tapestry… Needless to say that all traces of volume were lost. I lost the effect of wood grain, of hollows, in a word I lost all the texture of bark even if I was working with colour.

I then turned to monochrome tapestries and began to work in volume by means of the knot and intertwining, excrescence/outgrowth techniques, that can also be found in the work of Magdalena Abakanowicz.

After that I decided to work with plant materials, so naturally linen was the first choice.

As for the technique, I stopped weaving on the tapestry frame and laid my threads on the ground. With the tension of the wrapping, the volutes of material emerged, the volume I was looking for was there. At first, I made very small pieces, made with embroidery thread. With time I gained confidence and was able to move on to another scale.

What is the source of your inspiration?

I feel very inspired by the nature that surrounds me, the roots, the vines, but also the human skeleton, corals, algae and trees. I recently asked myself what I would miss the most if I had to move, and the answer was obvious: the forest, because I live in the heart of one, rich in its diversity of species, of smells and of landscapes that inspire me. Sometimes taiga with birch trees, or maritime pines and white sandy paths, or centuries-old oaks, or the blockfields and their incredible shapes of sandstone worked by erosion. And then there is the ocean, always in motion, to which I am so drawn, that regenerates me.

What connects all these things is the way in which nature, in its evolution, finds its substrate and grows, surprises us by its harmony, its aestheticism. Nature amazes me and questions me, because there is little or no false note in nature. The world we live in should question each of us, what do we do, and how do we treat it?

You use a reduced range of materials to create your sculptures, exclusively linen twine and hemp thread. What are the technical but above all sensory and expressive qualities that you find in them that led you to adopt them as the materials of choice for your work?

My choice is now linen. I have chosen linen as the medium for my work. Maybe this is an echo from my childhood? I used to live in the countryside when in Spring the flax fields were covered with thousands of blue, white and pink flowers, it was magnificent. There was also the ocean shore, the ropes of the boats

in the port of La Cotinière, alive, moving, wise or threatening. If your foot happens to get caught in a harmless looking roll of rope, your ankle might break but certainly not the rope! Such strength! It is moving to see the wear and tear of a rope that has been handled thousands of times by men… and quite often by women too. I use flax yarn as the “soul” of my sculptures and more or less fine string for the wrapping work. I create the shape as I sculpt the material, I live through that moment with it. My emotions, my thoughts seep into my work.

Linen is more complex a material than it seems. Think of this light stem that bends in the wind and that, once transformed, becomes uniquely strong. Flax fibre is incredibly alive, it changes with the weather. In a very hot climate, the material softens and becomes almost tender, while humidity and cold make it stiff, rough and hard to the point of damaging my hands! When this happens, I have to tame that material which rebels and does not wish to comply. Linen is definitely not passive or inert.

Very often your sculptures leave the spaces of the art gallery and to be inserted and integrated into the macroscopic space of nature. Does this feature of your work have any points of contact, in conceptual terms, with Land Art? Do your works originate and are they designed to be an integral part of the natural landscape?

It is true that for a time I have exhibited my work in natural environments. But more than nature in the general sense, it was the symbiosis of my work with the trees that interested me, especially on long time scales. Therefore, I don’t think I’m part of Land Art, which has a certain “ephemeral” quality to it, but the concept is interesting and generous. Showing art to anyone, magnifying nature is almost a form of spirituality.

For several years now, my work has been nourished by nature, but most of the time I work in the studio. My pieces are conceived as parts of an ongoing work, not as a fixed sewing pattern, but a construction that progresses over time. I spend a lot of time on it. Each piece combined with the previous one, contributes to something like a kaleidoscope. I rely hugely on my hands, and my imagination to make things tailor-made!

How have your works changed from your early works to your more recent ones? Is there a project that you cherish but have not yet been able to realize?

After a period of rather monumental sculptures, my pieces have become more and more intimate over time. I am not denying my early work, but I work today on a different scale. It’s an evolution that means a lot to me, an in-depth refocusing. I set myself only one constraint: that I keep using the technique I have developed! As in life, forms and shapes evolve. Maturity, experiences, environment, and inner life impact my research.

Having worked on very dense, closed-shaped, and very coloured pieces, I am currently working on sculptures that are the image of lightness and transparency, of pure whiteness. I am inspired by the incredible shapes of corals.

I am preparing an installation with these white sculptures, white to evoke the death of corals. It will be an installation themed on global warming. Visitors will be able to witness corals come back to life under light. For a few minutes, light will give back its colours to the skeletons of these marine animals, which are dying as we speak.

Red. Can you tell us about this series of works? What was the idea behind it and how did you develop it? What guides you in your choice of color for your sculptures?

Red was one of my phases. I have used its different shades over and over again. In the West, red is associated with energy, action and passion. For some it is also violence, blood, death. I have often had comments like that and have occasionally been offended by the very hurtful words that accompanied an installation “it looks like a gory film from the 80s”.

And then, one day in 2013 I went to Korea to show my work, but far from shocking, red, as is often the case in Asia, was associated with fortune, joy, prosperity, and long life. It is a colour that represents filiation, the family tree. Something very positive came out of it. Red was brought forward, far from being repulsive, it was celebrated! The world is vast!

When I choose a colour, I first explore it: its symbolism, its evocative power, its resistance to light, its depth, whether its shades exist in natural materials, its pigments.

This is one of the reasons why I have long been interested in natural pigments, particularly woad. This plant has been used since the dawn of time and is perhaps the oldest pigment used to dye fabrics before being dethroned by the indigo tree and today by synthetic dyes. But I have not only worked with red! Black, blue, green, yellow, white etc. Colour is linked directly to the shape I create and the work of my hands. Sometimes I may want to highlight a knot, another time it might be a hollow. Nuance of the colour reinforces the upstrokes and downstrokes, as in writing. In fact, I don’t use just one shade, but actually dozens of shades even on sculptures that look monochrome.

These days, and until May 29, the bi-personal exhibition "Fils Sculptes" Aude Franjou / Indra Milo is running. While respecting personal lines of research, is there a shared vision, suggestion or approach that connects your works and those of Indra Milo?  How did the idea for this exhibition come about?

This exhibition was born from an Argentinian friend whose workshop is often a place of music and live performance. It is an open space that explores all forms of artistic expression. Exhibiting my work there was his impulse, his “coup de cœur”. Rapidly, he introduced me to Indra who is a woodcarver. She mixes string with wood, and that’s the common ground we were able to use to create links and bridges between our two media.

Future projects?

Do you have a project in mind?

■ Maria Rosaria Roseo, Managing Editor at ARTEMORBIDA Textile Art Magasine

View on ARTEMORBIDA